Dernières années
Après 1900, deux projets ambitieux, tous deux loin de Giverny, concluent la recherche de nouveaux motifs par Monet. Le premier (pour lequel il a fait au moins trois voyages à Londres entre 1899 et 1904) était la vaste série multiple représentant la Tamise, les ponts de Waterloo et de Charing Cross et les Chambres du Parlement. Les œuvres - coloration exotique et ambiance romantique mystérieuse - rappellent les peintures de la Tamise de Turner et James McNeill Whistler. Dans ces tableaux, c'est l'atmosphère, plus que les particularités de ces structures, qui est le sujet de Monet; les bâtiments et les ponts sont moins tangibles que les coups de pinceau pulsants qui donnent du volume au brouillard et au brouillard lumineux. Le deuxième et dernier des motifs architecturaux poursuivis par Monet était les canaux et les palais de Venise. Monet a commencé cette série en 1908 et a continué en 1909, bien qu'il ait travaillé sur ces sujets à Giverny jusqu'en 1912. Venise était un sujet impressionniste parfait, mais la lumière, l'eau, le mouvement, l'architecture et les reflets dans l'eau sont plus généralisés dans ces œuvres. que les effets météorologiques spécifiques de la série des meules de foin et de la cathédrale.
En 1893, Monet avait acheté une bande de marais en face de sa maison et de son jardin fleuri, à travers lequel coulait un affluent de l'Epte. En détournant ce ruisseau, il a commencé à construire un jardin de nénuphars. Bientôt des saules pleureurs, de l'iris et du bambou poussaient autour d'une piscine de forme libre, des grappes de nénuphars et de fleurs flottaient sur l'eau calme, et un pont japonais fermait la composition à une extrémité. En 1900, ce produit unique de l'imagination de Monet (car son impressionnisme était devenu plus subjectif) était en soi une œuvre majeure de l'art environnemental - un lotusland exotique dans lequel il devait méditer et peindre pendant près de 30 ans. Les premières toiles qu'il a créées représentant des nénuphars, de l'eau et le pont japonais n'étaient que d'environ un mètre carré, mais leur composition ouverte sans précédent, avec les grandes fleurs et les coussinets suspendus comme dans l'espace, et l'eau azur dans laquelle les nuages se reflétaient, impliquait un environnement englobant au-delà du cadre.
Ce concept d'embrasser la spatialité, nouveau dans l'histoire de la peinture et seulement implicite dans les premières peintures de nénuphars, s'est déployé au cours des années de 1915 jusqu'à la mort de l'artiste dans un cycle d'immenses peintures murales à installer à Paris dans deux ovales de 80 pieds. chambres de l'Orangerie des Tuileries. Celles-ci ont été décrites en 1952 par le peintre André Masson comme «la chapelle Sixtine de l'impressionnisme». Ce couronnement de la longue étude approfondie de la nature de Monet - ses efforts pour rendre ses impressions, comme il l'a dit, «face aux effets les plus fugitifs» - n'a été consacré qu'après sa mort. Les nombreuses grandes études pour les peintures murales de l'Orangerie, ainsi que d'autres œuvres uniques et sans précédent peintes dans le jardin d'eau entre 1916 et 1925, étaient presque inconnues jusque dans les années 1950, mais sont maintenant réparties dans les principales collections privées et musées du monde. Malgré une vue défaillante en raison de cataractes, Monet a continué à peindre presque jusqu'à sa mort en 1926.
