Buster Keaton, nom original Joseph Frank Keaton IV, (né le 4 octobre 1895, Piqua, Kansas, États-Unis - décédé le 1er février 1966, Woodland Hills, Californie), comédien et réalisateur américain, le «Great Stone Face» du muet screen, connu pour son expression impassible et sa comédie visuelle imaginative et souvent élaborée.
Fils de vaudevilliens, Keaton aurait mérité son fameux surnom quand, à l'âge de 18 mois, il est tombé dans un escalier; le magicien Harry Houdini a attrapé le nourrisson indemne, s'est tourné vers les parents du garçon et a gloussé "C'est un" buster "que votre bébé a pris." Joe et Myra Keaton ont ajouté Buster à leur numéro de vaudeville à l'âge de trois ans. Les Trois Keaton se sont spécialisés dans les acrobaties à élimination directe, Joe utilisant le petit Buster comme une «vadrouille humaine». Déjà habitué à faire des chutes sans se blesser, Buster a appris très tôt à rire. Il a également découvert que «plus je me tournais vers le sérieux, plus je riais», et a en conséquence adopté son expression de panache.
Restant avec l'acte de famille jusqu'à l'âge de 21 ans, il a été embauché pour apparaître en solo dans la revue Broadway The Passing Show de 1917 avec un salaire de 250 $ par semaine. Il n'a cependant pas pris cet engagement. Juste avant le début des répétitions, Buster a été invité à jouer un petit rôle dans The Butcher Boy (1917), un film de comédie à deux rouleaux réalisé et interprété par Roscoe ("Fatty") Arbuckle. Fasciné par les aspects techniques et les possibilités créatives du médium cinématographique, Keaton est allé travailler pour Arbuckle en tant que joueur de soutien avec un salaire hebdomadaire de 40 $. Il a passé les deux prochaines années à apprendre toutes les facettes de la comédie cinématographique, un programme de formation inestimable interrompu uniquement par son service militaire pendant la Première Guerre mondiale. gags et scénarios. En outre, les deux codirigent The Rough House (1917), un court-métrage dans lequel ils jouent également.
Lorsque Arbuckle a obtenu son diplôme de long métrage, son producteur Joseph M. Schenck a fait en sorte que Keaton hérite du personnel de production de Fatty, et en 1920, Keaton a lancé sa propre série à deux rouleaux avec le brillant One Week. Trois ans plus tard, Keaton lui-même est entré dans les rôles principaux avec Three Ages (1923). (Il avait joué dans le long métrage The Saphead [1920], mais le film, contrairement à ses efforts ultérieurs, n'a été ni conçu ni adapté à ses talents).
Bien qu'il ait souvent qualifié son alter ego de film de «vieux penseur lent», le personnage de Keaton à l'écran possédait une ingéniosité remarquable. Mais il était aussi fataliste, résigné au fait que le monde était contre lui. Sans pitié de lui-même, il ne s'attendait ni ne sollicita aucune sympathie du public. Même lorsque son personnage a «gagné», il a refusé de se permettre le luxe d'un sourire, comme s'il était certain que des ennuis restaient à venir. Peut-être parce que Keaton a évité le pathétique de Charlie Chaplin et l'optimisme bouillonnant de Harold Lloyd, ses longs métrages silencieux n'ont jamais fait autant d'argent que ceux de ses deux plus grands rivaux au box-office. Pour les mêmes raisons, cependant, la plupart des silences de Keaton ont résisté à l'épreuve du temps bien mieux que ceux de ses contemporains. Beaucoup de ses meilleurs gags étaient aussi ingénieux qu'amusants, encourageant le public à réfléchir ainsi qu'à sourire. Il aimait aussi jouer des tours à la caméra, à la fois évidents (les multiples images de The Playhouse [1921], le montage chaotique de Sherlock, Jr. [1924]) et subtils. Ce n'est que longtemps après son apogée que la contribution unique de Keaton à l'écran a été pleinement appréciée. Notamment, sa comédie sur la guerre de sécession, The General (1927), a été une déception financière lors de sa sortie initiale, mais elle est aujourd'hui considérée comme un chef-d'œuvre et le couronnement de Keaton.
En 1928, la société de production de Keaton est transférée à Metro-Goldwyn-Mayer, le plus grand des studios hollywoodiens. Son premier film pour ce studio était le célèbre Caméraman (1928), mais peu de temps après, Keaton était à la merci de l'armée de producteurs, de superviseurs et de scénaristes de MGM, dont les efforts pour `` améliorer '' sa marque d'humour l'ont pratiquement détruite. La plupart de ses talkies-walkies pour MGM étaient accablés par des histoires banales, des personnages superflus et des wisecracks fatigués. Même si ces films ont fait de l'argent, la frustration de Keaton a augmenté et il a rapidement développé un problème d'alcool, qui a abouti à son licenciement de MGM en 1933.
Sortant du marasme, il a passé les deux décennies suivantes à reconstruire sa vie et sa réputation, mettant en vedette des comédies à deux rouleaux bon marché, jouant des rôles mineurs à l'écran, en tournée dans le stock d'été et travaillant comme écrivain de comédie dans son ancien studio, MGM. Une série d'apparitions en direct au Cirque Medrano de Paris à partir de 1947 a conduit à un retour à grande échelle et à un regain d'intérêt majeur pour sa production silencieuse. Les cinéphiles étaient ravis de voir la bande dessinée vieillissante en bref, des rôles pétillants comme lui-même dans Sunset Boulevard de Billy Wilder (1950) et comme partenaire du personnage de Chaplin dans Limelight (1952). Les fans de télévision ont vu Keaton dans plusieurs séries hebdomadaires et des dizaines de publicités.
Vers la fin de sa vie, il avait plus de travail qu'il ne pouvait en gérer, apparaissant dans tout, de It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963) à Beach Blanket Bingo (1965) à A Funny Thing Happened on the Way to le Forum (1966), son dernier film. En 1959, il a été honoré d'un Oscar spécial. Quatre mois avant sa mort, il a reçu une ovation debout de cinq minutes - la plus longue jamais enregistrée - au Festival de Venise. Son autobiographie, My Wonderful World of Slapstick (coécrite avec Charles Samuels), a été publiée en 1960.
