Portraits
Les portraits dessinés au XVe siècle - par Pisanello ou Jan van Eyck, par exemple - peuvent être considérés comme des œuvres picturales achevées dans leur concentration, leur exécution et leur distribution de l'espace. La représentation claire et délicatement délimitée suit chaque détail de la surface, recherchant le réalisme. Le profil, riche en détails, est préféré; ressemblant à du relief, il s'apparente au médaillon. Ensuite, au premier plan du profil pur, le profil des trois quarts, avec son effet plus spatial, est venu au premier plan, pour rester pendant des siècles la position de portrait classique.
Le lien étroit avec la peinture s'applique à pratiquement tous les dessins de portraits du XVe siècle. Une œuvre aussi puissante que le dessin de Dürer de l'empereur Maximilien est à l'origine une étude de portrait pour une peinture. Dans le même temps, cependant, certains dessins de portraits de Dürer incarnent clairement la phase finale d'une entreprise artistique, une ambivalence qui peut également être observée chez d'autres portraitistes du XVIe siècle. Les œuvres de Jean et François Clouet en France et du plus jeune Hans Holbein en Suisse et encore plus nettement en Angleterre au même siècle confèrent une autonomie au dessin de portrait, surtout lorsqu'un dessin est réalisé à la craie de différentes couleurs. Le choix du médium plus doux, du contouring, qui pour toute son exactitude est moins sévèrement autonome, et le dessin intérieur plus délicat avec des éléments plans confèrent à ces dessins un caractère plus vivant et plus personnel et accentuent une fois de plus leur proximité avec la peinture.
Dans la technique de la craie polychrome et du pastel, le dessin de portrait a conservé son indépendance jusqu'au XIXe siècle. Au XVIIIe siècle, Quentin de La Tour, François Boucher et Jean-Baptiste Chardin - tous ces artistes français - étaient parmi ses principaux praticiens, et même Ingres, vivant au XIXe siècle, utilisait encore sa technique. En peinture pastel, le portrait l'emporte sur tous les autres sujets.
Dans le choix de la pose, du type et de l'exécution, la peinture de portrait, comme d'autres formes d'art, est influencée par les caractéristiques stylistiques générales d'une époque. Ainsi, l'attitude picturale extrême du baroque et du rococo tardifs a été suivie d'une conception plus sévère pendant le néoclassicisme, qui a préféré les techniques monochromes et a également cultivé la forme spéciale de la silhouette, un dessin de contour de profil avec la zone remplie en noir. Incontestablement redevables à leurs prédécesseurs du XVe siècle, les créateurs de dessins de portraits du début du XIXe siècle visaient une fois de plus la restitution exacte des détails et des effets plastiques obtenus grâce aux supports graphiques les plus soigneusement choisis: le crayon fin et dur était leur instrument préféré, et la pointe d'argent, aussi, a été redécouverte par les romantiques.
Plus intéressés par les aspects psychologiques du portrait, les dessinateurs de la fin du XIXe et du XXe siècle ont préféré les crayons plus doux qui suivent facilement chaque impulsion artistique. La saisie d'éléments caractéristiques et un rendu d'avion adéquat ont pesé plus lourd sur eux que des détails réalistes. Les éléments d'humeur, la tension intellectuelle et l'engagement personnel sont des caractéristiques typiques du portrait moderne et donc également du dessin de portrait moderne, un art qui continue de documenter le travail personnel de l'artiste au-delà des caractéristiques de diverses techniques.
Paysages
Dès le XVe siècle, les dessins de paysage ont également atteint une autonomie suffisante, de sorte qu'il est difficile de faire la distinction entre l'étude achevée pour l'arrière-plan d'une peinture particulière et un paysage esquissé indépendant et autonome. Déjà dans les carnets de croquis du XVe siècle de Jacopo Bellini (conservés dans des albums du British Museum et du Louvre), il existe un lien intime entre l'étude de la nature et la structure picturale; dans l'atelier de Titien au XVIe siècle, des croquis de paysage doivent avoir été affichés comme suggestions de fonds picturaux.
Mais c'est Dürer qui a développé le paysage comme une image recueillie et une œuvre d'art autonome, bref, comme un thème à part entière sans référence à d'autres œuvres. Ses aquarelles surtout, mais aussi les dessins de ses deux voyages italiens, des environs de Nuremberg et du voyage aux Pays-Bas, représentent les premiers dessins de paysages purs. Des siècles ont dû s'écouler avant que de tels dessins ne se reproduisent dans cette formulation absolue.
Les éléments du paysage étaient également très importants dans les dessins et illustrations allemands et néerlandais du XVIe siècle. La représentation figurative, encore existante dans la plupart des cas, est formellement assez intégrée dans le paysage romantique des forêts et des prairies, en particulier dans les œuvres de l'école du Danube - Albrecht Altdorfer et Wolf Huber, par exemple. Plus fréquemment que dans d'autres écoles, on trouve ici des vues de la nature soigneusement exécutées. Aux Pays-Bas, Pieter Bruegel a dessiné des vues topographiques ainsi que des compositions paysagères libres, dans les deux cas en tant qu'œuvres autonomes.
Au 17e siècle, l'étude de la nature et le dessin du paysage qui en est issu ont atteint un nouveau sommet. Les dessins de paysages de l'Accademia degli Incamminati (ceux de Domenichino, par exemple) combinaient des thèmes classiques et mythologiques avec des paysages héroïques. Le Français Claude Lorrain, résidant à Rome, travaillait fréquemment à ciel ouvert, créant des dessins de paysage d'une qualité atmosphérique jusque-là inatteignable. Ce type de paysage cultivé et idéalisé, représenté également par Poussin et d'autres habitants du Nord résidant à Rome (ils étaient appelés romanistes néerlandais étant donné que de nombreux artistes des Pays-Bas vivaient à Rome, leurs dessins d'Italie atteignant une qualité presque éthérée), contraste avec la conception héroïque et proche de la nature du paysage détenue principalement par les Néerlandais lorsqu'ils dépeignent le paysage de leur pays d'origine. Tous les paysagistes - leurs peintures de paysages, une spécialité fortement représentée dans les Pays-Bas spécialisés sur le plan artistique - ont également créé des dessins de paysage indépendants (Jan van Goyen et Jacob van Ruisdael et son oncle et cousin, par exemple), Rembrandt occupant à nouveau une position spéciale.: capturant les caractéristiques d'une région souvent avec seulement quelques coups, il les a améliorées de telle manière qu'elles acquièrent une puissance expressive monumentale même dans le plus petit format. Dans l'Italie du XVIIIe siècle, le dessin paysager fidèlement topographique a gagné en importance avec l'avènement des Vedutisti, les pourvoyeurs de «vues», formant un groupe par eux-mêmes (parmi eux, Giambattista Piranesi et Canaletto [Canal Giovanni Antonio]) et travaillant souvent avec des aides optiques telles que le cadre graticulé et la camera obscura. Des dessins de paysages d'une plus grande liberté artistique, ainsi que des paysages imaginaires, ont été réalisés avec le plus de succès par certains artistes français, dont Hubert Robert; sur le plan pictural et atmosphérique, ces thèmes ont atteint une seconde floraison dans les paysages au pinceau d'artistes anglais tels que Turner et Alexander Cozens, dont l'influence se prolonge jusqu'au 20e siècle.
Étant donné leur vif intérêt pour la délimitation, les dessinateurs du XVIIIe siècle du néoclassicisme et, plus encore, du romantisme ont observé la nature avec une précision topographique. En tant que nouvelle «découverte», le monde alpin exagéré de façon romantique et héroïque a maintenant pris sa place dans l'esprit de l'artiste aux côtés de la vision arcadienne du paysage italien.
Les dessins de paysage et plus encore, les aquarelles, ont formé un thème inépuisable au XIXe siècle. L'artiste français Jean-Baptiste-Camille Corot et, vers la fin du siècle, Cézanne et van Gogh, figurent parmi les principaux créateurs de dessins de paysage. Les paysages faisaient partie du travail de nombreux dessinateurs du XXe siècle, mais pendant une grande partie du siècle, le genre en tant que tel a pris la deuxième place aux problèmes généraux de forme, dans lesquels le sujet n'était traité que comme un point de départ. Cependant, au cours des 30 dernières années du XXe siècle, un grand nombre d'artistes américains sont revenus à la représentation, réinvestissant ainsi dans le paysage comme sujet.
Compositions de figures et natures mortes
Par rapport aux principaux thèmes du dessin autonome - portrait et paysage - tous les autres sont de moindre importance. Les compositions de figures dépendent fortement de la peinture de leur temps et sont souvent directement liées à celle-ci. Il y avait, bien sûr, des artistes qui traitaient dans leurs dessins les thèmes de la peinture monumentale, comme le graveur et graveur du XVIIe siècle Raymond de La Fage; en général, cependant, le but artistique de la composition des figures est l'image, le dessin ne représentant qu'une aide utile et une étape. Les scènes de genre, particulièrement populaires dans les Pays-Bas du XVIIe siècle (comme l'ont fait Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade et Jan Steen, par exemple) et dans la France et l'Angleterre du XVIIIe siècle, ont atteint un statut indépendant. Au 19e siècle aussi, il y avait des dessins qui racontaient des histoires de la vie quotidienne; souvent de caractère illustratif, elles peuvent être qualifiées de «petites images», non seulement en raison de leur format souvent multicolore mais aussi de leur exécution artistique.
Les natures mortes peuvent également prétendre être des dessins autonomes, en particulier les représentations de fleurs, comme celles de l'artiste néerlandais Jan van Huysum, qui sont populaires depuis le XVIIe siècle. Ici encore, il est vrai qu'un arrangement bien conçu transforme une étude immédiate de la nature en une composition picturale. Dans certaines de ces compositions, la similitude avec la peinture est très forte; les pastels de l'artiste Odilon Redon des XIXe et XXe siècles, ou l'œuvre de l'expressionniste allemand du 20e siècle Emil Nolde, avec leur intensité chromatique, transcendent complètement la ligne de démarcation entre le dessin et la peinture. Dans les natures mortes, comme dans les paysages, les principes autonomes de la forme sont plus importants pour les artistes modernes que l'énoncé factuel.
Dessins fantaisistes et non représentatifs
Les dessins aux thèmes imaginaires et fantaisistes sont plus indépendants de la réalité extérieure. Les apparitions de rêves, les métamorphoses et l'entrelacement de niveaux et de régions de réalité séparés ont été des thèmes traditionnels. Les œuvres fantasmagoriques de la fin du XVe siècle de Jérôme Bosch en sont un exemple précoce. Il y a des scènes paysannes allégoriques de l'artiste flamand du XVIe siècle Pieter Bruegel et les gravures de carnaval de l'artiste français du XVIIe siècle Jacques Callot. D'autres dont les œuvres illustrent ce qui peut être fait avec le dessin à l'extérieur du paysage et du portrait sont: le graveur italien du XVIIIe siècle Giambattista Piranesi, l'artiste anglo-suisse du XVIIIe siècle Henry Fuseli, l'illustrateur anglais du XIXe siècle Walter Crane, le français du XIXe siècle L'artiste symboliste Gustave Moreau et les surréalistes du XXe siècle.
L'art non représentatif, avec sa réduction des éléments de base du dessin - point, ligne, plan - à la forme pure, a offert de nouveaux défis. Par le renoncement aux relations corporelles et spatiales associatives, le déploiement des dimensions du dessin et la structure des différents médiums acquièrent une nouvelle signification. Les qualités graphiques de la ligne dans l'avion ainsi que la zone non marquée avaient déjà été soulignées auparavant - par exemple, dans les grotteschi de Giuseppe Arcimboldo au XVIe siècle (les représentations fantaisistes ou fantastiques de formes humaines et animales souvent combinées avec les uns des autres et entrelacés avec des représentations de feuillage, de fleurs, de fruits ou similaires) et dans des exercices calligraphiques tels que des moresques (ornement linéaire fortement stylisé, basé sur des feuilles et des fleurs) - mais principalement comme modèles d'impression ou de gravure pour les tâches décoratives les plus disparates (décoration intérieure, mobilier, ustensiles, bijoux, armes, etc.).
